Cinéma : Films vus en DVD ou à la télévision

[Thierry_2]

Message précédent :

Dnas l'Irlande dans ce qu'elle peut avoir de plus "matériau pour un film social de Ken Loach ou un autre" en 1986, un ado dont la famille part à la dérive fonde un group de rock pour impressionner une fille. Rien d'original à se mettre sous la dent mais on s'en faut parce que l'essentiel est bien présent: un récit initiatique drôle et touchant, des gamins très justes et une plongée dans la pop des années 80, entre les Cure, Hall & Oates et Duran Duran

[stoney]

Il est très bien ce sing street du trop discret John Carney qui s'est fait une vrai spécialité de mêler cinéma et musique (Sing street, New-York melody et bien sûr Once).

[Thierry_2]

je n'avais jamais vu ce film, c'est désormais rattrapé.
le concept est intéressant, mais la réalisation est assez quelconque. En fait, pour que ce genre de film soit vraiment réussi, il faut que les personnages dépassent le simple aspect utilitaire. La fonction de chaque protagoniste est claire, mais ils n'existent pas hors de cet aspect. J'ai l'impression que les scénaristes plaquent des stéréotypes comme ça les arrangent, mais ne s'iontéressent pas plus que ça aux captifs. L'idée de ne rien expliquer est un parti pris intéressant (repris dans platform, qui s'est fortement inspiré du canevas de Cube), mais il est impossible de ressentir la moindre empathie pour les personnages. Ou bien il fallait pousser le principe jusqu'au bout et en faire des anonymes, laissant le spectateur face à une boite de pétri, soit leur donner un peu plus de substance.
Evidemment, les acteurs ont bien du mal à exister, ce qui fait que l'interprétation a le niveau d'un direct-to-dvd (pour l'époque). Intrigant, mais pas inoubliable.

[Révéler] Spoiler:

puis la fille hyper doué en math qui hésite pour savoir si un nombre qui se finit par 5 est premier ou pas, ça fait un peu con on va mettre ça sur le compte du stress

[mr_switch]

Bin ça dépend dans quelle base, elle réfléchissait. CQFD !

[Mr Degryse]

Billy Tully erre dans les rues sordides de Stockton. À 29 ans, il est déjà un ancien espoir de la boxe. Il a sombré dans l'alcoolisme après que sa femme l'a quitté. Malgré tout, il veut remonter la pente. Il décide alors de reprendre l'entraînement auprès de son ancien manager et fait la connaissance de Ernie Munger, un jeune amateur qui l'aide et l'encourage à travailler pour revenir sur le ring.


Ce film est l'anti-Rocky. Contrairement à ce que laisse supposer le titre français ( la dernière chance) il ne laisse aucun espoir à ses boxeurs et aux habitants de Stockton. Le film nous narre l'histoire d'un simili-Rocky, boxeur semi-pro, qui n'a que 29 ans mais en parait déjà 20 de plus , qui malgré tout son talent supposé n'a jamais fait carrière. C'est un has been qui vivote de petits boulots et qui tombe dans l'alcool. Bref, c'est le héros de Stallone au début du film sauf qu'ici il n'y aura aucune rencontre du grand amour ( mais la fusion de la lose avec une Adrian alcoolique) ni de remise sous les feux des projecteurs par un grandiose combat providentiel. John Huston, pourtant ancien boxeur, ne glamourise pas la boxe. Jamais il ne cherche à la magnifier par de beaux plans, des ralentis, des visions lointaines, etc. Il filme les boxeurs au plus près. Ce sont juste des sacs de frappe sur pattes. De la bidoche qui se détruit mutuellement pour le plaisir d'autres. Ce n'est pas un noble art prônant des vertus. John Huston ne sauve personne dans ce milieu glauque des semi-professionnels. Pas un boxeur qui n'est amoché ou le sera bientôt. Les entraineurs ne sont pas mieux lotis. Pour le réalisateur, ces boxeurs sont des prolétaires du sport, des travailleurs qui se tuent au travail. Il met d'ailleurs souvent leur condition en parallèle avec les autres stakhanovistes de la subsistance de cette Californie glauque. Ainsi, on verra plein de petits boulots ( dans les champs, les serveurs, etc) ou les gens pareillement se tuent à la tâche pour un salaire de misère et pour le profit d'autres. La Californie de Fat City n'est pas pas plus belle que la Philadelphie ouvrière d'Avildsen. Le soleil en plus. Stallone a vraiment dû aimer le film et s'en inspirer pour le contexte social lors de la rédaction du scénario de Rocky.
La réussite du film tient beaucoup à son casting. Stacy Keach ( the news centurions) est encore une fois impressionnant. Physiquement et gestuellement, il est ce boxeur en voir de clochardisation. Il est dommage qu'il ne se soit ou qu'on l'ait Hammerisé durant les années 80 le privant de la carrière cinématographique qu'il méritait. Jeff Bridges campe lui un jeune premier à qui on promet un grand avenir dans la boxe. On s'image qu'il est l'antithèse de perso joué par Keach. C'est en fait ce dernier avec 10 ans de moins. L'avenir du jeune boxeur parait tout tracé. il deviendra sous peu ce sportif détruit. Il n'y a pas de salut dans ce milieu.
Je suis moins passionné par la relation amour-haine entre les deux poivrots. Susan tyrell est pourtant une pochtronne crédible et ce qui est décrit me parait juste.
Décidément plus j'explore la filmographie de Huston, plus j'apprécie ce réalisateur.

[Morti]

J'ai découvert ce film que je ne connaissais pas du tout...curieuse surprise...



Ca date de 1971 et c'est un petit polar français comme ils savaient le faire à cette époque...la vengeance, c'est toujours vendeur.

Mais la surprise, c'est le casting...vu que le réalisateur, Roger Pigaut, était acteur, je suppose qu'il a demandé à ses potes mais quand même...

Serge Reggiani
Michel Bouquet
Jeanne Moreau
Simone Signoret
Marcel Bozzuffi
André Pousse
Charles Vanel
Jean Dessailly
Jean-Marc Bory
Amidou
Serge Sauvion
Hubert Deschamps

Ca c'est une affiche !!!

[Mr Degryse]

Lorsque John Sands aux commandes de son remorqueur évite la collision avec le « Mary Deare » de Hong Kong lors d’une effroyable tempête, il ignore encore que celui-ci a été ravagé par un incendie et qu’il dérive avec un seul homme à son bord, le second du navire, Gideon Patch. Ensemble, les deux hommes remettent en marche les moteurs et font cap vers les côtes françaises. Mais Patch fait volontairement échouer le navire sur les récifs des Minquiers à proximité de Saint Malo.
De retour en Angleterre, devant les juges maritimes, Patch est accusé par les armateurs du « Mary Deare » d’avoir sabordé leur navire.

Voilà un long métrage sympathique injustement méconnu surtout au vu du pedigree respectif des 2 stars du film ! C'est l'avant dernier film du vieillissant Gary Cooper qui partage l'affiche avec la star montante Charlton Heston qui vient de cartonner dans la superproduction les 10 commandements et qu'on retrouvera aussi en 1959 dans Ben Hur. La confrontation entre ces 2 acteurs est pour beaucoup dans le plaisir de la découverte du film. Gary cooper était malade ( il venait d'être opéré d'un cancer ) et si le tournage a dû être éprouvant pour lui , ce coup du sort renforce l'aspect physique du personnage lui donnant unmélange de force et de fragilité. Il faut bien entendu accepter les codes des films de l'époque. Les héros mâles sont viriles,bourrus, courageux, se lient d'amitié à coups de poings, respectent la parole donnée. Ils sont revêches de prime abord mais sont en fait des sensibles qui refusent de peiner l'orpheline. Les méchants sont tout le contraire. Ce manichéisme des caractérisations est le point faible du film. Surtout quand le méchant est joué avec la subtilité d'un pachyderme par le débutant Richard Harris.
Sinon le film est très maitrisé. Il commence comme un film catastrophe maritime vire vers le film de procès avant de partir vers l'aventure. Les scènes se passant en mer n'ont pas vieilli et provoquent toujours la tension recherchée. La première partie dans la tempête est une grande réussite. Michael Anderson dont je ne connais qu'au autre film ( maritime aussi : Orca ) se tire bien de toutes les situations.

Très plaisant !

[Mr Degryse]

En 1855, l'Angleterre, en guerre contre les Russes, organise le transport par train d'une cargaison de lingots d'or pour entretenir ses troupes qui combattent en Crimée. Escroc à la mine aristocratique, Edward Pierce entreprend de faire main basse sur le chargement entre Londres et Ostende. Pour réussir son coup, il s'adjoint les services de Roger Agar, un habile perceur de coffres.

En voilà un bon divertissement ! Un aventure cinématographique d'Arsène Lupin réussie ! Sauf qu'il ne s'agit pas d'une adaptation du célèbre gentleman cambrioleur mais de son ersatz britannique : Edward Pierce. C'est tout pareil sauf qu' anglais oblige, cela rajoute au dandy-escroc une touche toute britannique de flegme et de causticité. Surtout quand son interprète est le brillant Sean Connery. Pour comparer à une franchise moderne plus connue, c'est ocean' eleven au 19 ème siècle. Même plaisir à assister à ce casse sensationnel, le tout aidé par un casting jubilatoire. L'acolyte de Pierce n'ayant rien à lui envier étant joué par un Donald Sutherland des grands jours avec ses jolies bacchantes.
La principale qualité du film ( mais qui peut être aussi rédhibitoire pour certains) est qu'il est sans âge. Il pourrait aussi bien être réalisé dans les années 50 que 70. Cela explique pourquoi il vieillit bien pour moi.
Crichton adapte lui même son scénario et le réalise aussi. D'un point de vue adaptation, c'est un quasi sans faute. C'est bien écrit et dialogué. Souvent grivois dans ces propos ( l’inénarrable dialogue de Pierce et de la mère frustrée), il s'agit en plus d'un film de casse d'une satire sociale. Les bourgeois sont tous des dégénérés avec tous les vices possibles ( jeux, sexes, etc). Cet aspect satirique culmine dans un final

[Révéler] Spoiler:

(le voleur applaudit par la foule alors qu'il s'évade )

trop appuyé donc manquant de subtilité.
Il faut dire que si Crichton est un bon romancier-scénariste, ce n'est pas un grand réalisateur. C'est loin d'être honteux mais il manque un brillant metteur en scène pour donner du rythme et du génie à tout cela ( ce qu'avait réussi Billy Wilder avec la vie privée de Sherlock Holmes). Il essaie bien des ruptures de rythme pour casser l'académisme de la photo ( et parfois des matte paintings bien visibles) mais s'en remet souvent à la partition de Jerry Goldsmith pour gérer cela. La scène de Connery sur les toits du train est bien saisissante et je me demande comment elle a été tournée. Connery semble bien passer de toit en toit sur le train en marche avec des ponts le frôlant. Était ce un Tom Cruise en avance ?
Je n'avais pas vu le film depuis des années. Ce fut une re-vision très satisfaisante.

[Mr Degryse]

Angleterre 1940. Un homme se faisant appeler Henry Faber est en fait un espion allemand infiltré dont le surnom est « l'aiguille », en référence à son instrument préféré d'assassinat, un stylet. C'est un tueur froid et calculateur, concentré sur sa seule mission. Les services secrets anglais tentent désespérément de l'intercepter.

Adaptation d'un roman d'espionnage de Ken Follett, c'est suite à la vision de ce film que George Lucas aurait choisi Richard Marquand pour réaliser le retour du Jedi. Le choix reste surprenant même des décennies après car si Eye of the Needle est plutôt un bon film, il ne comporte rien de science fiction et ne brille pas par ses scènes d'action. Il ne semble aussi ne posséder aucun sfx. Marquand n'était pas non plus un maker ni un mercenaire de studio. Sa filmographie avant et après le starwars le confirme plutôt. Est ce parce Marquand avait réussi à donner de l'empathie au public pour le monstrueux salaud interprété par Sutherland et que c'était ce que recherchait Lucas pour Dark Vador?

Indépendamment du futur du réalisateur, Eye of the needle est un bon film d'espionnage et qui le doit à son contexte historique, au décor final de l'île aux tempêtes mais surtout à son casting et à la très bonne direction d'acteurs. C'est un plaisir de retrouver Donald Sutherland qui n'est jamais aussi bon que dans le rôle de méchant cachant son jeu. Le film démarre comme un film de guerre classique d'occupation puis vire à la traque d'un espion n’hésitant pas jouer du stylet puis à une histoire d'amour pour enfin terminer quasi en chien de paille! Le tout est plutôt équilibré, sans trop de temps mort et se regarde sans ennui. Cependant, il n'y a rien non plus qui imprime durablement la rétine ni le cerveau.

[Mr Degryse]

Un vendredi soir, quatre personnes se retrouvent coincées dans un ascenseur : Pit, un loubard, Gossman, un vieux comptable emportant la caisse, Jorg, directeur de publicité en difficulté professionnelle et Marion son ancienne maitresse et assistante.

En voilà un petit film allemand bien sympathique ! Sorti quasi à la même époque qu'Ascenseur de Dick Maas ( grand prix du Festival international du film fantastique d’Avoriaz ), le long métrage de Schenkel me parait supérieur à celui du hollandais car il ne tombe jamais dans le fantastique et reste purement réaliste et attaché à son script. C'est un film à concept comme Phone Game, Buried, etc. On a une unité de lieu, on y enferme 4 personnages et on étudie ce qui s'y passe. Un peu comme si on avait la scène d'ouverture de speed mais étirée sur 90 minutes et sans attaque terroriste. Il s'agit d'une banale panne d'ascenseur et de 4 personnes qui vont essayer d'en sortir ne supportant pas de rester enfermés dans une boite suspendue dans le vide. Bien entendu des tensions et dissensions vont apparaitre au sein du groupe créant des difficultés là ou il ne devrait pas nécessairement en avoir. A une époque ou le moindre quidam a un téléphone portable pour appeler les secours ou s'occuper, la réaction d'angoisse des personnages parait disproportionnée au spectateur actuel mais comment aurions nous réagi à cette période bloqués et sans communication avec l'extérieur .
La réalisation est efficace et utilise avantageusement le cadre restreint pour offrir quelques beaux plans de vision à travers d'orifices de l' intérieur par l'extérieur. IL en est de même pour les scènes d'obscurité juste éclairées à l'allumette. Seules les passages du chute de l'ascenseur avec personnages ballottés sont assez ratées et cheap.
Le casting est bon et je pense inconnu de la majorité des spectateurs français à l'exception des amateurs de séries allemandes ( George Gotz est l'interprète de Schimanski ).

[Mr Degryse]

Long métrage méconnu dont j'ai découvert l'existence lors d'une visite d'un musée de l'automobile à La Haye. Il s'agit d'un film académique mais toujours plaisant sur un génie mécompris. Coppola aurait voulu dès le début de sa carrière aborder ce sujet : la création de la Tucker 48. C'est un passionné de cette voiture dont il possède 2 exemplaires ( Lucas le producteur en a 1 autre) sur les 50 jamais produites. Il a proposé plusieurs fois et sous différentes formes ( comédie musicale notamment) le sujet à des producteurs sans succès jusqu'à ce que finalement ce soit Lucas qui le produise.
Je regrette d'ailleurs que Lucas l'ait convaincu de ne pas faire une comédie musicale. On sent dans le rythme du film, le choix de Joe Jackson remplaçant Williams initialement engagé , les oripeaux de ce que cela aurait pu être. Le coté " énorme " du jeu de Jeff Bridges pour interprété Preston Tucker fait d'ailleurs musical. C'est d'ailleurs mon gros bémol du film alors que j'aime beaucoup Bridges habituellement. L'interprétation n'a aucune subtilité et on se contente de faire de Tucker un Géo Trouvetou seul contre tous. Sauf que cela donne l'impression de voir un Jim Carrey sous acide.

Film agréable donc mais pas mémorable bien qu'on ait qu'une envie à la fin du film : acheter une tucker 48 ( mais à 1.5 ou 2 millions de dollars quand un rare exemplaire est en vente, cela restera un rêve )

[Mr Degryse]

Revu clairement à la hausse. J'étais resté sur une impression très mauvaise de ma vison au cinéma. Etais-je resté que sur la déception liée au final?
Le film tient clairement la route jusqu'à l'entrée dans le vaisseau extra terrestre. Ce n'est pas follement novateur mais les influences sont digérées et le spectacle spatial est là. Les scènes dans l'espace n'ont pas vieilli, sont très prenantes et la mort

[Révéler] Spoiler:

de Tim Robbins

est un belle et grande scène. Il y a aussi des passages réussis ( les micro météorites, la scène du sang et de la fuite, la migration jusqu'au vaisseau en orbite). Ces moments là n'ont clairement pas à rougir avec des films plus récents comme Interstellar ou Gravity. Visuellement les décors sur Mars ont de la gueule et la scène de la tempête se transformant en espèce de ver géant en sable est picturalement à tomber.
Ce n'est pas toujours bien dialogué, l’entame est un peu longue mais on s'éclate vraiment durant un long moment.
Et puis patatras, on rentre dans le vaisseau ( avec encore une fois une belle idée visuelle de blancheur et de cette porte qui se ferme) et là tout s'accélère. Le film prenait son temps et on torche un final merdique, sur explicatif en 10 minutes. Non seulement cela devient moche ( l'esthétique de l'extra terrestre, les horribles cgi de la Terre et de l'évolution, etc) mais aussi d'une platitude infinie dans ce que cela raconte ( c'est vu, lu mille fois

[Révéler] Spoiler:

le coup des Ets qui seraient nos créateurs

). Cela passerait si c'était bien raconté mais c'est bâclé, sans aucune émotion. Cela nous fait rien le départ de Sinise. On raccroche cela avec la mort de sa femme avec de gros sabots. C'est un peu la même déception que le final de Contact mais en pire. Et comme ce qui se passe avant est moins original, la mauvaise impression laissée par cette dernière partie reste plus en tête.
Encore une fois comme dans beaucoup de films de Sf, le voyage est bien plus intéressant que l'arrivée.

[Le Rescator]

je n'avais jamais vu ce film, c'est désormais rattrapé.
le concept est intéressant, mais la réalisation est assez quelconque. En fait, pour que ce genre de film soit vraiment réussi, il faut que les personnages dépassent le simple aspect utilitaire. La fonction de chaque protagoniste est claire, mais ils n'existent pas hors de cet aspect. J'ai l'impression que les scénaristes plaquent des stéréotypes comme ça les arrangent, mais ne s'iontéressent pas plus que ça aux captifs. L'idée de ne rien expliquer est un parti pris intéressant (repris dans platform, qui s'est fortement inspiré du canevas de Cube), mais il est impossible de ressentir la moindre empathie pour les personnages. Ou bien il fallait pousser le principe jusqu'au bout et en faire des anonymes, laissant le spectateur face à une boite de pétri, soit leur donner un peu plus de substance.
Evidemment, les acteurs ont bien du mal à exister, ce qui fait que l'interprétation a le niveau d'un direct-to-dvd (pour l'époque). Intrigant, mais pas inoubliable.

[Révéler] Spoiler:

puis la fille hyper doué en math qui hésite pour savoir si un nombre qui se finit par 5 est premier ou pas, ça fait un peu con on va mettre ça sur le compte du stress

Vu en salle pour ma part lors de la sortie du film Cube en 1999, un an après Dark City en 1998. Difficile de juger le film dans le contexte de l'époque avec notre expérience d'aujourd'hui, près d'un quart de siècle après, un peu comme le non moins excellent Abyss de Cameron en 1989.

[Le Rescator]

Revu clairement à la hausse. J'étais resté sur une impression très mauvaise de ma vison au cinéma. Etais-je resté que sur la déception liée au final?
Le film tient clairement la route jusqu'à l'entrée dans le vaisseau extra terrestre. Ce n'est pas follement novateur mais les influences sont digérées et le spectacle spatial est là. Les scènes dans l'espace n'ont pas vieilli, sont très prenantes et la mort

[Révéler] Spoiler:

de Tim Robbins

est un belle et grande scène. Il y a aussi des passages réussis ( les micro météorites, la scène du sang et de la fuite, la migration jusqu'au vaisseau en orbite). Ces moments là n'ont clairement pas à rougir avec des films plus récents comme Interstellar ou Gravity. Visuellement les décors sur Mars ont de la gueule et la scène de la tempête se transformant en espèce de ver géant en sable est picturalement à tomber.
Ce n'est pas toujours bien dialogué, l’entame est un peu longue mais on s'éclate vraiment durant un long moment.
Et puis patatras, on rentre dans le vaisseau ( avec encore une fois une belle idée visuelle de blancheur et de cette porte qui se ferme) et là tout s'accélère. Le film prenait son temps et on torche un final merdique, sur explicatif en 10 minutes. Non seulement cela devient moche ( l'esthétique de l'extra terrestre, les horribles cgi de la Terre et de l'évolution, etc) mais aussi d'une platitude infinie dans ce que cela raconte ( c'est vu, lu mille fois

[Révéler] Spoiler:

le coup des Ets qui seraient nos créateurs

). Cela passerait si c'était bien raconté mais c'est bâclé, sans aucune émotion. Cela nous fait rien le départ de Sinise. On raccroche cela avec la mort de sa femme avec de gros sabots. C'est un peu la même déception que le final de Contact mais en pire. Et comme ce qui se passe avant est moins original, la mauvaise impression laissée par cette dernière partie reste plus en tête.
Encore une fois comme dans beaucoup de films de Sf, le voyage est bien plus intéressant que l'arrivée.

Cela reste un De Palma, et cela me donne envie de le visionner à nouveau en même temps que Red Planet (vus également en salle lors de leurs sorties respectives) sorti la même année en novembre 2000 après la présentation de Mission to Mars en hors compétition lors du festival de Cannes, le réalisateur ayant d'ailleurs été pressé de finir le montage par le producteur pour cette échéance.

Ayant recherché la plus grande crédibilité scientifique en échangeant régulièrement avec la NASA pour ce film, De Palma a également montré la voie à Nolan pour Interstellar ...

[satanpetitcoeur]

The Father

...

[Thierry_2]

au début des années 70, Annie, déjà mère de deux Enfants, se retrouve enceinte. Elle décide d'avorter et pousse la porte du MLAC (Mouvement pour la liberté de l'avortement et de la contraception), qui informe les femmes et organise des avortements semi-clandestins ou des voyages aux Pays-Bas, où l'avortement est légal. Touchée par le dévouement de ses femmes, elle décide de s'investir à son tour et de rejoindre le mouvement. Laure Calami porte le film sur ses épaules, toute l'histoire convergeant vers un monologue de fin à la fois touchant et politique. Elle est parfaitement entourée d'un casting impeccable, avec, entre autres, India Hair, Eric Caravaca et Zita Henrot. Surtout, la grande intelligence du film est de ne pas tomber dans le double piège du pathos et de l'opposition hommes-femmes. Les hommes sont en retrait, mais loin d'être opposés au combat. Le film n'a donc pas de grandes envolées spectaculaires. Il n'est en que plus fort.

[Mr Degryse]

Dommage que visuellement cela ressemble à un telefilm france 3 car sinon le film est pas mal.

[wamuu]

Elle est de partout la Calamy ! Ca valait le coup de se foutre à poil dans 10%

[Thierry_2]

c'est vrai que comme accélérateur de carrière, dix pour cent a été incroyable pour elle
mais il faut reconnaître qu'elle est souvent excellente.

[Morti]

The Father

...

La scène finale m'a tué...

Anthony Hopkins est bien le plus grand acteur vivant...

[euh... si vous le dites]

The Father

...

La scène finale m'a tué...

Anthony Hopkins est bien le plus grand acteur vivant...

J'ai détesté ce film dont chaque plan semble peser trois tonnes ainsi que la "performance" de Hopkins.
Il y a dans ce film à peu près tout ce que je n'aime pas au cinéma.